Развитие танца в Древнем Риме

В Древнем Риме в отличие от Греции в основном использовались воинственные и дикие пляски для поднятия боевого духа, а не для массовых празднований и веселья. Зародилось такое понятие, как салийские пляски. Этот танец исполняли специально отобранные представители почитаемых и знатных родов в количестве двенадцати жрецов. Салийский танец исполнялся в храмах и прославлял народных героев и богов. В то же время в Древнем Риме развивалась такая разновидность хореографии, как пирриха, которая представляла собой ансамблевые постановки. Эти композиции были довольно популярными и более востребованными в отличие от сольных танцев, которые уже успели «приестся». Стоит отметить, что римляне внесли колоссальный вклад в историю и развитие мировой культуры танца как создатели пантомимы. аккомпанемент небольшого оркестра. Самыми популярными исполнителями этого жанра были Бафилл и Пилад. Очень часто проводились ритуальные обряды с использованием танцев, связанные с древними культами плодородия. Со временем эти действия переросли в народные массовые праздники, карнавалы и шествия.

Развитие танца в Древнем Египте. Танец в Д.Е. имел немаловажное значение. Египтяне рассматривали танец не только как развлечение, но и как принадлежность к религии и короткий путь к богам. Если умирал человек, они с помощью танца отгоняли плохой дух от мертвого тела и верили, что танец - это благословленная и священная форма искусства. На праздниках плодородия важность танца как олицетворения божественной жизненной силы была своего рода манифестом, особенно при поклонении богиням Хатор и Баз. Фараоны использовали специальные костюмы для танца, узкие полупрозрачные трико, освещающие различные ракурсы тела артиста. На стенах храмов и фресках видны обтягивающие вышитые пояса, подчеркивающие эстетику тела. Со становлением религии. Храмы Египта – сумрачные, стесненные толстыми стенами, массивными колоннами, большим количеством рисунков и знаков. Древнеегипетские танцы исполнялись без единого резкого движения, даже просто лишнего движения, ничто не отвлекало от духовного напряжения. Звездный танец египетских девушек с перезвоном звоночков. Подвижный танец. (ловкостью и умением контролировать тело, часто зрители хлопают и кричат в ритме, это и есть сущность кинетического танца). Спортивный (акробатический) танец. Танец – подражание. Парный танец. Групповой танец. Два вида. Ритуальный похоронный танец. Военный танец. Танец музыкантов. Танец карликов. Погребальный танец. Религиозный танец. Танец суфиев. Бэлади. Музыкальные инструменты. Костюмы.

48 Творческая программа Франса Хильфердинга и эстетичная программа Гаспаро Анджолини эпохи Просвещения. Франс Хильфердинг. Австрийский артист балета, балетмейстер. Один из выдающихся реформаторов балетного театра эпохи Просвещения. Программа: превратить балет в самостоятельный театральный жанр, основное внимание - драматургии балетного спектакля и приближение балета к правде жизни. Балеты на сюжеты пьес известных драматур­гов. «Идоменей», «Альзира», «Британик». Комедийные ба­леты, современные жанрово-бытовые, широко использует народный танец. Использовал при­емы и находки комической оперы и драматического театра (персонажи: крестьяне, сол­даты, мельники, лесничие и др.). Вводил народную пластику. Танец становился действенным. Оставил придворный стили­зованный условный костюм, но убрал маски, заставил танцовщиков и танцовщиц свободнее держаться на сцене и тем открыл перспективы создания настоящих человеческих харак­теров. Нет сольных вокальных эпизодов, речевых диалогов. Главными выразительными средствами балета считал пантомиму и танец. Стремился - спектакль содержательным, с ярко выраженной драматургией, выразительным танцем. Гаспаро Анджолини, итальянец по про­исхождению, лучший ученик и последователь Франца Хильфердинга. Танцовщик, либреттист, музыкант, балетмейстер. Интересы современного придворного зрителя, превратить балет в музыкальную драму. Программа: три требования- простота, естественность, правда. Музыка - основа балетного спектакля. Не отвлекаясь на развитие второстепенных тем и эпизодов, вести глав­ную сюжетную линию строго и последовательно. Танец делил: гротесковый, комический, полухарактерный и серьезный. «Дон Жуан» и «Семирамида». Драматургию спектакля Г. Анджолини выстраивал с помощью танца и музыки, которой придавал большое значение в балетном спектакле, и всегда старался иметь дело с серьезными авторами. Заслугой Анджолини является то, что он старался наделить своих героев национальными характеристиками и тем сделать их более живыми. Хильфердинг откровенно прославлял императорский двор. Аллего­рические балеты Анджолини, отражая современность, обогаща­ли репертуар и, следовательно, танцевальный язык, расширяли рамки танцевальной выразительности.

49Идеология эпохи Средневековья. Отношение церкви к танцевальному искусству. Для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха смерти. «Танец смерти». В теме плясок смерти отразилась проповедь презрения к земным радостям, среди которых че­ловек не должен забывать о потусторонней жизни; идея смерти, застав­ляющей плясать и знатных, и простолюдинов; превращение танца в символ бренности человеческого бытия. Церковь отвергала античный культ разума, культ тела, заменив его принижением разума и постулатом греховности чувственных наслаждений, здоровья и телесной красоты. Одной из характерных черт средневекового мировоззрения - аскетизм. Запрет светских забав и зрелищ, в их числе пляски. Но гонения не достигали цели. Средневековая церковь, одной рукой проклиная танец, дру­гой покровительствовала ему. Рыцарская культура. Официальное и светское искусство носило черты христианской идеологии и было направлено на религиозные нужды. Распространение танца - бродячие актёры-менестрели, шпильманы, жонглеры, гестионы, скурры. Мимы, фо­кусники, канатоходцы были популярны в феодальном замке или на ярмарочной площади Франции XII века. Трубадуры и труверы.

Развитие танца модерн в Западной Европе( Франции и Германии)??????????????

Для каждого представителя танца-модерн не являлась главной форма, важно было донести до зрителя определенный смысл, переживание, эмоции. Идеи танца модерн ещё в 1830 году предвосхитил известный французский педагог и теоретик сценического движения Франсуа Дельсарт, изучавший связь голоса, жеста и эмоции. Он утверждал, что только жест, освобождённый от условности и стилизации (в том числе музыкальной), способен правдиво передавать все нюансы человеческих переживаний. В 1972 году Жозеф Руссильо создает труппу Балетный театр во Франции. Французский танцевальный театр использует танцевальные техники американского и германского модерна, движение – как язык эмоций, зеркало внутреннего мира танцора. С увеличением зрительской аудитории постановщики используют средства танцевальной сценографии (аксессуары, переполненное пространство). француженка Лои Фуллер, в поисках новых форм танца увлеклась выразительностью движения рук и корпуса. Используя яркие ткани, свет, она создавала образы бабочек и пламени. Возможно, именно Фуллер стала родоначальницей нового направления — «танцевального шоу».